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David Hanes

David Hanes

19.03.23 – 30.04.23


David Hanes, Gardens of Fate
by Benedetta Monti

s. f. [latin, natūra, derivative of natus, “to be born”].

More than a century after the birth of Die Brücke, we find symmetries among the concepts that moved the art movement at the time and now move David Hanes, (1987, Toronto). The German expressionists declared an urgency to express the incommunicability and anguish of their era through their sharp, acid-colored brushstrokes. Likewise, similarly harsh times influence the stylistic direction of the Canadian artist who, again in assonance with the Expressionist current, finds refuge and inspiration in his relationship with Nature, a medium he uses to find his origin through his own authenticity. And so Hanes makes primitive spontaneity central, from intuition to gesture and sign, making possible the practical implementation of the origin of the word Nature, or ‘Being Born.’ In fact, the artist works on the work as if it were itself creating itself and directing its movements, during constant pictorial rituals where, in creative intent, it appears as if in deep meditation: ‘the work itself determines its own completeness,’ he tells during an interview.1
Contrary to the ‘ordinary’ stylistic path of the average artist, which usually sees the maturation of the realistic stroke first and the interest in abstraction later, David Hanes immediately pushes against tradition and becomes interested in the immaterial. He then exhausts his minimal practice to land on the conceptual, and finally leaning towards a figuration that carries with it an interpretative structure on several levels, avoiding to submit to progressive laws but letting himself be guided by spontaneous ones. Verifying this of a personal tracing that follows the real urgency of the artist and not the blind following of a pattern that prefers its homologation. Leaving the coordinates of a predetermined path, Hanes starts again from the origin, he wants the banality and lightness of the flower in the foreground, he wants the uninhabited farmhouse and he wants the valley at sunset. He finds a new way of dealing with the expressionist imprint, not only indulging the need to follow and study the retinal impulse, but recognizing the image as having a spiritual quality. Influences regarding the history of art of the past include names such as, among others, Kandinsky, Van Gogh, Gauguin, Kirchner, Munch, Rothko, Morris, Rauschenberg; of all of them he is fascinated by Morandi in his depiction of the universal through portraits and still lifes.
In order to understand the works in the exhibition, it is necessary to identify the artist’s individual procedural habits, deconstruct them and reinsert them into an overall view. And the conceptual constants. We will thus have, on the one hand, an extremely impulsive practice — in its physical urgency of material and gesture — which sees Hanes in the action of painting on his knees, completely enraptured by the ‘hic et nunc of artistic ritual, producing various sketches and as many watercolors, acrylic and oil paintings. On the other two conceptual constants, Nature (especially plant, flora, landscape) and spirituality. “I have to perform an act of osmosis with my surroundings, to become one with my clouds and mountains in order to be what I am.” Speaking here is Caspar David Friedrich2, close to Hanes in sharing a constant relationship with the en plain air. In fact, his words aptly describe Hanes’s sensibility in conceiving of a visceral relationship with the outdoor environment, as evidenced by the video documentation of his Pescara residence. The paintings of the promoter of the Romantic current show a marvelous attention to detail, slow and impetuous, and the gaze of the viewer is the same as that of the characters in the paintings, of man towards an immense, eternal, divine Nature. David Hanes’ style, on the other hand, is imbued with impulsive gesture and serial falling in love; he creates his sketches during explorations in Nature, looking for places to be inspired, then bringing to the studio dozens and dozens of barely sketched bases from which to extract the construction of the painting. The point of view here is much more than internal, the viewer becomes an integral part of the representation and object, immersed in the organic matter, has become trunk, grass, plant, flower. This is the only way to understand how the authentic definition of the figures in flat backgrounds, with pure coloring at times blinding, comes from the artist’s daily, close study of the plant population and the external environment. In Gardens of Fate works created between Iceland, Germany, Canada, Luxembourg are exhibited side by side with the result of the residency in Pescara, giving the audience the opportunity to be able to experience the contrasts between the work created within the metropolis, in the context of the suburbs or the countryside, from the uninhabited to the inhabited place. Between changes in material density, heaviness of color, vividness of artificial and sunlight, summer and winter. Precisely the serial compositional sequentiality of some of the pictorial proposals in the exhibition (the repetition of the same flower for example) reveals, paradoxically, not a monologue but a chorus of multiple voices. A plurality that confirms a ‘natural’ rule: the same subject can give rise to infinite combinations of reality and meaning, changing according to light, air, mood and training to see. Similarly, Monet’s seriality allows us to see an ever-changing Rouen Cathedral, and David Hanes allows us to put ourselves in the shoes of one flower looking at another.
In the words of Mali Wu, Activist, artist and co-curator of Post-nature, 11th Taipei Biennial: “It does not mean that there is no more Nature, rather that our understanding of Nature should change. There is no division between human beings and Nature.”
In conclusion, the concept of Nature is today more hybrid (than it already is in Nature?), confused and in some declinations censored, and the human being is trying to regain its place within it-after an era marked by a well-deserved avant-garde and conceptual nonsense. Topicality, however, seems to be exhausted by the extremely immaterial character that has conditioned human production in recent decades, and continues to condition the art scene today, in a continuum of post-modernity, post-humanity and above all, as the title given to Mali Wu’s biennial, post-nature. If society’s growing direction toward immateriality has brought within itself the need to begin to know again the origin, or the complex beauty of simplicity, it has also brought a loneliness that diverges from our deepest essence as social animals but can be incredibly revealing. In this sense post-nature becomes the ideal definition of what is happening within the human narrative where David Hanes proposes his version of an internal, rhizomatic, spiritual Nature, experienced as if it were one’s own garden, in which to take refuge for regeneration and in which to place one’s Destiny. He does so by demonstrating, finally, an immanent coherence between his own life, his actions and his art making, so that the painting is a definition of his everydayness, on the alert to Nature and his being in relationship with it.

David Hanes, Gardens of Fate
di Benedetta Monti

s. f. [lat. natūra, der. di natus, part. pass. di nasci «nascere»].

A più di un secolo dalla nascita del Die Brücke, ritroviamo simmetrie tra i concetti che mossero il movimento artistico all’epoca e che muovono ora David Hanes, (1987, Toronto). Gli espressionisti tedeschi dichiaravano l’urgenza di esprimere l’incomunicabilità e l’angoscia della propria epoca, attraverso le loro pennellate appuntite, dai colori acidi. Allo stesso modo tempi altrettanto aspri influiscono sulla direzione stilistica dell’artista canadese che, sempre in assonanza con la corrente espressionista, trova rifugio e ispirazione nel rapporto con la Natura, mezzo che utilizza per ritrovare l’origine attraverso la propria autenticità. E così Hanes rende centrale la spontaneità primitiva, dall’intuizione al gesto e al segno, rendendo possibile l’attuazione pratica dell’origine della parola Natura, ovvero ‘Nascere’. Infatti l’artista lavora sull’opera come se fosse essa stessa a crearsi e a indirizzare i suoi movimenti, durante costanti rituali pittorici dove, nell’intento creativo, appare come in profonda meditazione: “l’opera stessa determina la sua compiutezza”, si racconta durante un’intervista1.
In controtendenza rispetto al percorso stilistico ‘ordinario’ dell’artista medio, che vede solitamente la maturazione del tratto realistico prima e dell’interesse verso l’astrazione poi, David Hanes da subito si spinge contro la tradizione e si interessa all’immateriale. Esaurisce poi la sua pratica minimal per approdare al concettuale, e infine propendere verso una figurazione che porta con sé una struttura interpretativa su più livelli, evitando di sottostare a leggi progressive ma lasciandosi guidare da quelle spontanee. Verifica questa di un tracciato personale che segue l’urgenza reale dell’artista e non la cieca sequela di uno schema che ne predilige l’omologazione. Uscendo dalle coordinate di un percorso prestabilito, Hanes ricomincia dall’origine, vuole la banalità e leggerezza del fiore in primo piano, vuole il casale disabitato e vuole la vallata al tramonto. Ritrova un modo nuovo di affrontare l’impronta espressionista, non solo asseconda l’esigenza di seguire e studiare l’impulso retinico, ma riconosce all’immagine una qualità spirituale. Tra le influenze in merito alla storia dell’arte del passato troviamo nomi come, tra gli altri, Kandinsky, Van Gogh, Gauguin, Kirchner, Munch, Rothko, Morris, Rauschenberg; fra tutti rimane affascinato da Morandi, nel suo descrivere l’universale attraverso ritratti e nature morte.
Per comprendere le opere in mostra occorre individuare le singole abitudini processuali dell’artista, decostruirle e reinserirle in una visione d’insieme. E le costanti concettuali. Avremo così, da una parte, una pratica estremamente impulsiva – nella sua urgenza fisica del materiale e del gesto – che vede Hanes nell’azione di dipingere in ginocchio, completamente rapito dall’ hic et nunc del rituale artistico, produrre vari sketch e altrettanti acquerelli, dipinti ad acrilico e olio. Dall’altra due costanti concettuali, la Natura (soprattutto vegetale, la flora, il paesaggio) e la spiritualità. «Devo compiere un atto di osmosi con quello che mi circonda, diventare una sola cosa con le mie nuvole e le mie montagne per poter essere quello che sono.» A parlare, qui, è Caspar David Friedrich2, vicino a Hanes nella condivisione del rapporto costante con l’en plain air. Le sue parole infatti descrivono in modo puntuale la sensibilità di Hanes nel concepire la relazione viscerale con l’ambiente esterno, come dimostra la documentazione video della sua residenza pescarese. I dipinti del promotore della corrente romantica mostrano una meravigliosa attenzione ai dettagli, lenta e impetuosa, e lo sguardo del fruitore è lo stesso dei personaggi nei dipinti, dell’uomo nei confronti di una Natura immensa, eterna, divina. Lo stile di David Hanes è invece pregno di gesto impulsivo e innamoramento seriale, crea i suoi bozzetti durante le esplorazioni nella Natura, alla ricerca di luoghi dove lasciarsi ispirare, portando poi in studio decine e decine di basi appena accennate dalle quali estrarre la costruzione del dipinto. Il point of view qui è molto più che interno, il fruitore diventa parte integrante della rappresentazione e oggetto, immerso nella materia organica, è diventato tronco, erba, pianta, fiore. Solo così si riesce a comprendere come la definizione autentica delle figure a campiture piatte, dalla cromia pura a tratti accecante, sia data da uno studio quotidiano e ravvicinato dell’artista nei confronti della popolazione vegetale e dell’ambiente esterno. In Gardens of Fate sono esposti lavori creati tra Islanda, Germania, Canada, Lussemburgo affiancati al risultato della residenza a Pescara, dando la possibilità al pubblico di poter fare esperienza dei contrasti tra il lavoro creato all’interno della metropoli, nel contesto della periferia o della campagna, dal luogo disabitato a quello abitato. Tra cambiamenti di densità materica, pesantezza del colore, vivacità della luce artificiale e solare, estiva e invernale. Proprio la sequenzialità compositiva in serie di alcune proposte pittoriche in mostra (la ripetizione di uno stesso fiore ad esempio) rivela, paradossalmente, non un monologo ma un coro a più voci. Una pluralità che conferma una regola ‘naturale’: lo stesso soggetto può dare vita a infinite combinazioni di realtà e di senso, cambiare a seconda della luce, dell’aria, dell’umore e dell’allenamento a vedere. Allo stesso modo la serialità di Monet ci permette di vedere una Cattedrale di Rouen sempre diversa, e David Hanes ci permette di metterci nei panni di un fiore che ne guarda un’altro.
Con le parole di Mali Wu, Attivista, artista e co-curatore di Post-nature, undicesima biennale di Taipei: «Non significa che non c’è più Natura, piuttosto che la nostra comprensione della Natura dovrebbe cambiare. Non c’è divisione tra essere umano e Natura».
In conclusione, il concetto di Natura è oggi più ibrido (di quanto già lo sia in Natura?), confuso e in alcune declinazioni censurato e l’essere umano cerca di riappropriarsi del suo posto all’interno della stessa – dopo un’epoca segnata da un meritato non-sense avanguardistico e concettuale.
L’attualità sembra però essere esausta dal carattere estremamente immateriale che ha condizionato la produzione umana degli ultimi decenni, e che continua a condizionare ancora oggi la scena artistica, in un continuum di post-modernità, post-umanità e soprattutto, come il titolo dato alla biennale di Mali Wu, post-natura.
Se la crescente direzione della società verso l’immaterialità ha portato in sé l’esigenza di ricominciare a conoscere l’origine, o la complessa bellezza della semplicità, ha portato anche una solitudine che diverge dalla nostra più profonda essenza di animali sociali ma che può essere incredibilmente rivelatrice. In questo senso post-nature diventa la definizione ideale di ciò che sta accadendo all’interno della narrazione umana dove David Hanes propone la sua versione di una Natura interna, rizomatica, spirituale, vissuta come se fosse il proprio giardino, nel quale rifugiarsi per rigenerarsi e nel quale riporre il proprio Destino. Lo fa dimostrando, infine, una coerenza immanente tra la propria vita, le sue azioni e il suo fare arte, così che il quadro è una definizione della sua quotidianità, in allerta nei confronti della Natura e del suo essere in rapporto con essa.

  • Type: Exhibitions
  • Time:

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